Toy Story 3, by Lee Unkrich

Toy Story is back and our old friends too. John Lasseter was too busy being the boss of Pixar-Disney animation studios, so after co-writing the story he stepped back and let Lee Unkrich, a Pixar veteran too, taking the lead role of Director. But it is very much a Pixar team work that, as Time Out says, ‘puts their gorgeously detailed digital craftsmanship at the service of a pleasingly simple fantasy set-up, warm, complex characterisation and classically elegant storytelling’.

First we are told ‘put your 3D glasses on now’ and we are blessed with the latest of Pixar’s short film gems. The new one, ‘Day and Night’ is well in the Pixar tradition: no dialogues, a cool classic jazz soundtrack, an entirely original graphic design, warm, funny, poetic. Sheer genius. And this time, of course, in 3D. Contrary to the feature film that takes the right approach of a light 3D touch, the short film explores the 3D opportunities and 3D/2D contrasts in marvellous ways. Impossible to describe this artistic collage. It reminded me a bit of the slapstick and surreal quality of Les Shadocks.

Then the big film. Pixar Opus eleven. Andy is 20 and about to go to college. His childhood toys have been sleeping untouched in a box for many years. As Andy must clear his room, toys anxiously face several options: move to the attic, donation to a daycare centre, or being thrown away. The toys are divided on what would be the best option for them to retire.

The Timeout review is quite good at spotting the weaknesses. It’s true that too many plot patterns from Toy Story one and two are repeating here, but everything is so brilliantly written and filmed that pleasure is constant and intense again. However I am not a huge fan of the Barbie/Ken subplot (too easy) and Buzz in Spanish mode is fun but overdone.

It is also the second Pixar in a row to be so deeply emotional. Nostalgia, passing of time, despair and separation were always part of the Toy Story saga but the theme is very explicit this time.

I am one of those, many, who cried here, after having cried at Up (twice). Somehow it's okay now, even for a guy, to admit crying when it's a Pixar film. Minor spoiler is coming now. I am referring to the final scene, of course, where Andy eventually chooses to give his favourite toys to an adorable little girl of the neighbourhood and then plays with her – and with them – for the last time. Feeling tears is always an uncomfortable feeling and we should of course be wary of cheap melodrama. There may an argument here but for me there is nothing outrageously cheesy in that scene. It’s simple, true and beautiful.

But another scene took me by surprise. The very short and simple scene where Andy’s mum is suddenly stricken by emotion at the sight of Andy’s room being emptied. Perhaps because I am about to become a father myself I can start to imagine how hard it must be to see your child leaving the family home for good and how I, like most of us probably, was an unfair and insensitive brat to my mum when I moved away to university.

Corpse Bride, by Tim Burton

For the first session of a new cine-club series, on Saturday 6 of February at Alexes's place, I have drawn the ‘animation’ genre from the hat. I had already showed my all-time animation favourite, Monsters Inc. in a previous cine-club back in Meudon in 2006 . So this time I decided to go for my favourite director Tim Burton, and take the opportunity to illustrate my favourite animation technique: stop-motion puppetry.

As a matter of facts, I already wrote a paper on Corpse Bride in 2006.
I only have a few things to add today.

Burton started his career as an animator for Disney but left quickly as his gothic personality didn't fit well in the Mickey Mouse empire. Except for his brilliant short film Vincent in stop-motion, Burton then filmed mostly with live actors. He's to me one of the greatest film artists of our time. Apart from Corpse Bride and The Nightmare before Xmas, my favourite Burton films remain Edward Scissorhands and Ed Wood.

Time Out recently published a list of the ‘top 50’ greatest animation films of all time, with good reviews in it and comments from Terry Gilliam. I was shocked by their ranking (22nd) and comment on The Nightmare before Christmas and Coraline. They basically say that Coraline comes as no surprise as The Nightmare was already the works of Henry Selick and not Tim Burton. I think it’s pointless and ridiculous to deny Burton parenthood in The Nightmare as they try to do. Corpse Bride, written and directed by the master himself – and not even mentioned by Time Out’s list! - is proof that The Nightmare, though shot by Selick indeed, was a Burton production, out of Burton’s imagination and visual genius; he delegated the shooting to Selick but he remains the main author in my opinion. On the other hand, James and the Giant Peach (1996) was already the proof, if one was needed, that Selick is a great artist in his own right too. I personally consider Burton and Selick to be co-authors in The Nightmare, and the third father, composer Danny Elfman was essential in it, as he is again in Corpse Bride.

Anyway, it’s a shame to rank Nightmare or Coraline #22, and to ignore Corpse Bride altogether. They are both authentic, major masterpieces, not only among the very best animated movies of all time but simply among the best pictures of all time. In my personal list, the three in the top 10.

Where I may be partial to the Burton/Selick production and chose of their films for the cine-club is because puppet animation has a tremendous emotional appeal to me. To me, the best CGI rendering will never give me the light reflections and textures of puppet stop motion. And if it did, I would still prefer the idea of watching hand-made plasticine-and-fabric puppets rather than virtual CGI puppets. That’s me and my ‘rosebud’ childhood toy, the ViewMaster, the little magic lantern.

Flipping again through the beautiful book Corpse Bride, an invitation to the wedding (Titan Books), I found that quote from Tim Burton that summarises my feeling in better words: ‘There’s a magic and a mystery to stop-motion, a tactile quality, a handmade quality that gives it an emotional resonance to me.’

Finally, don't miss the upcoming Alice in Wonderland by Tim Burton in 2010!

l'âge d’or de l’animation

Suite au best 50 de Time Out, j'ai eu envie de faire mon propre classement des meilleurs films d'animation. C'est l'occasion de revenir sur mon idée que nous vivons dans un age d'or de l'animation, allelujah.

Tout s’est passé au milieu des années 90 et, comme toujours dans l’histoire de l’art, les grands chefs d’œuvre sont arrivés tout de suite dès le début de la période, dans sa fraicheur et son immaturité technologique. Quatre sources majeures ont alimenté la révolution: Pixar (Lasseter et alii), Studio Ghibli (Miyazaki et Takahata), Aardman (Nick Park et alii), et les productions de Tim Burton et Henry Selick. A l’inverse de la tendance générale de l’industrie, il existe encore un véritable systeme de studio dans l’animation, ce qui signifie non seulement surface et sécurité financière pour monter de gros projets, capacité à planifier longtemps à l’avance mais aussi une continuité dans les talents, les styles et l’émulation créative entre les différents réalisateurs appartenant à la meme écurie.

Ces quatre ‘sources’ se sont déployées dans quatre techniques différentes: le dessin animé ‘2D’ traditionnel pour le Studio Ghibli, mais aussi - nouveauté des années 1990 -, l’animation par ordinateur (Computer Generated Images) pour Pixar et ses suiveurs ; et la renaissance de l’animation image-par-image (‘stop-motion’) en volume: personnages de plasticine (Aardman studios) et marionnettes (Burton, Selick). L’animation en volume se prête d’ailleurs naturellement à l’arrivée des technologies de captation et restitution en 3D qui vont marquer les années 2010. En termes de rendu esthétique, ma préférence va vers l’animation en volume, mais il fait chaud au cœur de voir qu’après la longue agonie artistique de Disney, il est encore possible de créer des œuvres d’art pour grands et petits selon des méthodes et dans un style graphique relativement classiques : Hayao Miyazaki et Isao Takahata. Cela veut dire que l’histoire et les personnages sont, évidemment, toujours la chose la plus importante, ce que, par contraste, quelques opportunistes du CGI (Dreamworks) ont parfois oublié.

Au commencement, donc, il faut se souvenir que le méchant magicien Walt Disney, businessman visionnaire, cynique et conservateur, mort depuis vingt ans (1966), continuait pourtant de régner sur l’industrie du ‘dessin animé’. Son monopole incontesté sur le cinéma pour enfants entrainait l’animation toujours plus bas dans une création toujours plus infantile, laide, dénuée d’humour, méprisant l’intelligence des enfants et des adultes, véhiculant une idéologie douteuse. Les années 70 donnaient le médiocre Bernard et Bianca. Le Roi Lion, le plus gros succès des années 80 symbolisait tout cela jusqu’à l’écœurement : laideur des images et de la musique, absence d’humour, idéologie reaganienne.

Et puis soudain, donc, trois coups de tonnerre: The Nightmare before Xmas (1993), Wallace & Gromit (1996), Toy Story (1995). Burton, Aardman, Pixar. Miyazaki et le studio Ghibli produisaient des longs métrages depuis 15 ans déjà mais c’est au début des années 90 (Porco Rosso 1992, Princesse Mononoké 1997) que le public occidental a commencé à le découvrir. L’originalité d’Aardman et la profondeur de Miyazaki ont été rapidement reconnues mais les critiques ont mis plus de temps à saluer la veine Pixar, qui formellement, se rapprochait plus de la source Disney (lovable characters, happy ends, family values). Le fait que Disney distribuait les films Pixar ajoutait à la confusion: puisque Disney appliquait son sceau, il s’agissait probablement de ‘films pour enfants’ mais juste en ‘images de synthèse’ comme on disait.

Je me souviens que le premier janvier 2000, à Barcelone je discutaillais avec mes copains cinéphiles sur l’idée d’un âge d’or de l’animation, leur disant que The Nightmare ou Toy Story étaient non seulement des œuvres d’art, les meilleurs films d’animation jamais produits, mais aussi des films supérieurs à la quasi-totalité des films en prise de vue ‘réelles’ produits dans les années 90. Pendant la décennie 2000, les quatre grandes sources ont continué de produire des chefs d’œuvres quasiment chaque année, et d’autres maisons, beaucoup d’autres auteurs ont bénéficié de financements toujours plus importants pour créer des longs métrages d’animation.

2009 a été une année exceptionnelle, avec pas moins de quatre films majeurs : Up (Pixar), Ponyo (Miyazaki), Coraline et The Fantastic Mr Fox de Wes Anderson. Le fait qu’un réalisateur comme Wes Anderson (que j'adore) choisisse l’animation stop-motion (que j'adore) pour adapter Road Dahl (que j'adore) et en faire une œuvre totalement personnelle, alors qu’il n’est pas un animateur de formation, était apparemment destiné à me combler personnellement. C'est aussi une nouvelle preuve que l’animation a quitté le ghetto et va continuer d’occuper une place de plus en plus importante dans la création cinématographique, dans tous les genres

Pour en revenir à l'histoire de cette révolution, l’achat de Pixar par Disney, avec les patrons de Pixar prenant de fait la direction créative de Disney, fut la consécration financière pour le principal pilier de l’âge d’or. La prochaine étape sera la consécration artistique ‘institutionnelle’.

Je prédis que verrons dans la décennie 2010 des films d’animation couronnés par les récompenses professionnelles majeures, Oscars et Palmes d’or. Si ceci n’est pas encore arrivé c’est que les professionnels du cinéma et les critiques de cinéma se rendent compte que les meilleurs films produits depuis 15 ans, quel que soit la combinaison de critères qu’on veuille considérer (succès public, qualité cinématographique, innovation technique et narrative, ou simplement une œuvre ‘qui restera’) sont pour la plupart des films d’animation. Lorsqu’on regarde la liste des Oscars en particulier depuis 10 ans, on voit que le Pixar ou le Miyazaki de cette année là était presque toujours un film supérieur au film vainqueur. Si donc on confine les films d’animation dans une catégorie secondaire c’est qu’ils rafleraient toutes les récompenses si on les comparait honnêtement aux films ‘normaux’ produits depuis 10 ans.

J’aime rappeler que Toy Story 2 eut droit à 10 lignes dans les Cahiers du Cinéma en 2002, dans lesquelles le critique condescendait à dire que ‘si le cinéma est l’art du divertissement, alors Toy Story 2 est un bon film.’ Le fait que Pixar, par exemple produise des films divertissants et accessibles aux familles et qui rencontrent un succès considérable a été longtemps difficile à avaler pour les critiques (et en écrivant cela je pense au critique gastronomique peine-à-jouir de Ratatouille).

Mes films préférés, donc:

1. Monsters Inc. by Pete Docter (2001) (Pixar)
2. The Nightmare Before Christmas by Henry Selick (1993)
3. Toy Story 2 by John Lasseter (1999) (Pixar)
4. My Neighbour Totoro by Hayao Miyazaki (1988)
5. Corpse Bride by Tim Burton (2005)
6. WALL-E (2008) by Andrew Stanton (Pixar)
7. Coraline by Henry Selick (2009)
8. Spirited Away by Hayao Miyazaki (2001)
9. Wallace & Gromit: The Best of Aardman Animation (1996) (Aardman)
10. Toy Story by John Lasseter (1995) (Pixar)
11. Snow White and the Seven Dwarfs (1937)
12. A Bug's Life' (1998) by John Lasseter and Andrew Stanton (Pixar)
13. The Incredibles (2004) by Brad Bird (Pixar)
14. Fantasia (1940)
15. Ratatouille (2007) by Brad Bird (Pixar)
16. Chicken Run by Nick Park and Peter Lord (2000) (Aardman)
17. Fantastic Mr Fox by Wes Anderson (2009)
18. Grave of the Fireflies (Hataru no haka) (1988) by Isao Takahata
19. Up by Pete Docter (2009) (Pixar)
20. Alice in Wonderland (Disney) (1951)
21. Le roi et l'oiseau by Paul Grimault (1980)
22. Ponyo by Hayao Miyazaki (2009)
23. Kirikou and the Sorceress by Michel Ocelot (1995)
24. Curse of the were-rabbit by Nick Park (2005) (Aardman)
25. Porco Rosso (1992) by Hayao Miyazaki
26. The Jungle Book (1967) by Wolfgang Reitherman
27. Les triplettes de Belleville (Belleville Rendez-vous) by Sylvain Chomet (2003)
28. Persepolis by Marjane Satrapi & Vincent Paronnaud (2007)
29. Shrek by Andrew Adamson & Vicky Jenson (2001)
30. Team America: World Police (2004)
31. The ice age (2002)
32. Flushed away (2006) (Aardman)
33. Cinderella (1950)
34. James and the Giant Peach by Henry Selick (1996)

Time Out's best 50 animation films

Time Out a publié en Septembre 2009 une intéressante liste des 50 meilleurs films d’animation 'ever' avec de chouettes commentaires de Terry Gilliam. Ca m'a donné l'envie de faire mon propre classement.

Le numéro un de Time Out est My neighbour Totoro (Tonari no Totoro) de Hayao Miyazaki. Je trouve aussi que Totoro est un des deux ou trois meilleurs Miyazaki et ca suffit pour avoir sa place dans le top 10 de tout amateur d’animation. C’est une pure merveille pour les enfants et c’est un des plus merveilleux films écrit sur l’enfance. Le cinéma américain aurait été incapable de montrer avec une telle distance et une telle pudeur, les ressorts de l’imagination enfantine pour fuir les difficultés familiales. Et sans les complications mythologico-écologiques qui rendent parfois les Miyazaki un peu touffus pour un spectateur européen et nuisent un peu à sa fraicheur (je pense à des films par ailleurs majeurs comme Mononoké et même, dans une certaine mesure, Spirited Away).

Etonnant dans le top 50 de Time Out, l’absence de tout film Dreamworks (Shrek) et de tout film Blue Sky (les producteurs de la série Ice Age. Les rédacteurs s’en expliquent dans par ce qu’il considèrent être ‘this century’s most annoying cartoon bugbear: cultural referencing’. From the industry in-jokes of ‘Shrek’ to the soul-searching self-help psychology of the ‘Ice Age’ movies, animators seem to have forgotten how to make movies for kids without patronising their parents’. Ils n’ont pas tort. Le pire dans le genre, clins-d’oeils-aux-ados-et-aux-parents étant atteint dans des productions mineures déjà tombées aux oubliettes (Sharks, de Dreamworks). Néanmoins le premier Shrek était vraiment drôle et nouveau. Les suivants, self-referencing et pastichant le pastiche, tourne à vide. Quant à Ice Age, j’ai aussi une certaine tendresse pour le premier opus. Le synopsis est certes un copié-collé du Livre de la Jungle, mais j’aime le rendu léger et schématique des décors qui me rappelle le ViewMaster. Et pour balancer la sensiblerie famille, quelques uns des interludes ‘screwball’ avec le rat sont au contraire dingues et drole, dans l’esprit de Tex Avery.

Mais la plus inexplicable absence dans la liste est celle des studios Aardman, oubli d’autant plus étonnant venant d’un magazine anglais. Quelle fierté pourtant, pour l’Angleterre d’avoir enfanté Aardman. La France a certes créé Kirikou, les Triplettes et pleins de petites merveilles en court métrage. Mais elle n’a pas vu l’éclosion d’un véritable studio comme Aardman qui est, toutes proportions gardées, le Pixar européen : une structure créée et dirigée par des artistes intransigeants sur la qualité, générant un volume de production important et régulier de court et de longs métrages qui ont tous rencontrés succès public et critique. Aardman a aussi atteint une surface financière garantissant son indépendance artistique grâce à des films publicitaires et des séries TV (Shaun the sheep) et c’est peut-être ce genre de choses que les animateurs français, aidé par le système de soutien, se refusent à faire. Tous les longs métrages Aardman ont leur place dans un top 50 et j’ai beaucoup de mal à choisir entre eux. Mon préféré est tout de même Chicken Run. J’ai hurlé de rire devant The curse of the were-rabbit mais j’ai plus de tendresse encore pour les courts et moyen-métrages de Wallace et Gromit, dont les trois premiers (accompagnés du court oscarisé Creature Comforts et de Never without my handbag) ont été montrés en un programme long dans les salles françaises vers 1995.

Les films français n’ont pas été oubliés par Time Out et c’est avec plaisir que j’y trouve Kirikou, que j’adore, et les Triplettes de Belleville, encore que je soupçonne un étranger d’aimer surtout ce film étrange pour son coté franchouillard. Sylvain Chomet créativement, bizarrement sur des stéréotypes français (le tour de France) et l’imagerie des années 30. Persépolis est mentionné est c’est mérité mais cela pose la question de la définition de la catégorie, car Persépolis est un roman graphique et un film pour adultes. A ce compte il faudrait certainement inclure Walz with Bashir dans la liste. Et le jour où l’on fait un film à partir de Maus, faudra-t-il le comparer aux Disney/Pixar/Ardman/Miyazaki ? Il me semble que les films d’animations destinés aux familles peuvent difficilement partager une liste avec les films animés exclusivement destinés aux adultes et éventuellement dénués d’humour. J’ai fini par considérer que oui et j’inclus également Persépolis et Le Tombeau des Lucioles dans ma propre liste. J’ai aussi des réserves sur la présence de A Scanner Darkly, film en motion-capure, et pour Final Fantasy, CGI au rendu hyper-réaliste. Lorsque le jeu de véritables acteurs est capté par motion capture et rendu de manière hyper-réaliste, on n’est plus tout à fait dans l’animation telle que je l’entends ici. D’ici quelques années un grand nombre des films d’actions et de science-fiction – comme Avatar - utiliseront tellement de CGI ‘invisible’ et de motion-capture d’acteurs réels qu’ils pourront tous, techniquement parlant, être qualifiés d’hybride de films d’animation sauf à considérer que le genre, si s’en est un, signifie un décalage irréaliste dans le monde créé et l‘humour.

Enfin les vieux Disney. Il y a en a 9 dans le top 50 de Time Out. Je suis d’accord avec Snow White, un incontournable et indémodable joyau, une œuvre révolutionnaire pour 1937. J’aime aussi beaucoup Le Livre de la Jungle et Fantasia. Mais je ne suis pas trop sur de la Belle au bois dormant, pour moi typique de l’édulcoration industrielle des contes par la firme Disney. Quant à Aladdin je me souviens juste d’avoir pensé ‘pas trop mal’ pour un Disney qui touchait le fond au début des années 90, mais je n’ai jamais eu aucune envie de le revoir depuis. Dumbo et Bambi sont toujours charmants, avec des petits, mais c’est tout de même un peu dégoulinant de cuteness. J’ai de la tendresse pour Robin des bois, un des tout premiers films que j’ai vu au cinéma avec ma maman, mais on n’est certainement pas en présence d’un film majeur. J’ai par contre été impressionné à la revoyure d’Alice.

Le classement de Time-Out
1. My Neighbour Totoro by Hayao Miyazaki (1988)
2. Snow White and the Seven Dwarfs (1937)
3. The Bugs Bunny/Road Runner Movie (1979)
4. Fantasia (1940)
5. Toy Story by John Lasseter (1995)
6. Spirited Away by Hayao Miyazaki (2001)
7. Yellow Submarine by George Dunning (1968)
8. Belleville Rendez-vous by Sylvain Chomet (2003)
9. South Park: Bigger, Longer & Uncut by Trey Parker (1999)
10. Robin Hood (1973)by Wolfgang Reitherman
11. Bambi (1942) by David Hand
12. Grave of the Fireflies (1988) by Isao Takahata
13. Dumbo (1941) by Ben Sharpsteen
14. Gandahar (1988) by René Laloux
15. The Iron Giant (1999) by Brad Bird
16. Akira (1988) by Katsuhiro Ôtomo
17. The Brave Little Toaster (1987) by Jerry Rees
18. The Jungle Book (1967) by Wolfgang Reitherman
19. When the Wind Blows (1988) by Jimmy T Murakami
20. Pinocchio by Hamilton Luske & Ben Sharpsteen (1940)
21. Whisper of the Heart (1995) by Yoshifumi Kondo
22. The Nightmare Before Christmas (1993) & Coraline (2009) by Henry Selick
23. Perfect Blue (1997) by Satoshi Kon
24. The Incredibles (2004) by Brad Bird
25. Watership Down (1978) by Martin Rosen
26. Princess Mononoke (1997) by Hayao Miyazaki
27. Antz (1998, Dreamworks), 'A Bug's Life' (1998, John Lasseter and Andrew Stanton, Pixar)
28. Persepolis by Marjane Satrapi & Vincent Paronnaud
29. The Secret of NIMH (1982) by Don Bluth
30. Porco Rosso (1992)by Hayao Miyazaki
31. WALL-E (2008) by Andrew Stanton
32. Kirikou and the Sorceress by Michel Ocelot
33. Aladdin (1992) by Ron Clements and John Musker (Disney)
34. Ghost in the Shell (1995) by Mamoru Oshii
35. Beavis and Butt-head Do America (1996) by Mike Judge and Yvette Kaplan
36. The Lord of the Rings (1978) by Ralph Bakshi
37. A Soldier’s Tale (1984) by RO Blechman & Christian Blackwood
38. Ratatouille (2007) by Brad Bird (Pixar)
39. Aqua Teen Hunger Force Colon Movie Film For Theatres by Matt Maiellaro & Dave Willis
40. Animal Farm (1954) by John Halas & Joy Batchelor
41. FernGully: The Last Rainforest (1992) by Bill Kroyer
42. Fritz the Cat (1972) by Ralph Bakshi
43. Happy Feet (2006) by George Miller
44. Waking Life (2001) / A Scanner Darkly (2006) by Richard Linklater
45. Transformers – The Movie (1986) by Nelson Shin
46. Paprika by Satoshi Kon
47. Sleeping Beauty (1959) by Clyde Geronimi
48. Final Fantasy: The Spirits Within (2001) by Hironobu Sakaguchi
49. Cloudy With a Chance of Meatballs (2009) by Phil Lord
50. Heavy Metal (1981) by Gerald Potterton

Monsters Inc.

Le ciné-club de Meudon a tourné entre 2004 et 2006. En deux ans, nous avons vu 8 films présentés par 8 copains:
• Solaris de Steven Soderbergh, présenté par Christophe
• Chat noir chat blanc d’Emir Kusturica, présenté par Philippe
• Honky Tonk Man, de Clint Eastwood, présenté par Marc
• Les choses de la vie, de Claude Sautet par Delphine
• Ghost in the Shell de Masamune Shirow présenté par Caroline
• Le Festin de Babette, de Gabriel Axel présenté par Elizabeth
• A bout de souffle de Jean-Luc Godard, présenté par Jean-Marc
• Fitzcarraldo de Werner Herzog, présenté par Séverine

J’ai clos la série avec ‘Monsters Inc’, des studios Pixar, réalisé par Pete Docter. Voici mon petit speech d’accompagnement. Voici pourquoi j’aime ce film.


D’abord je voulais montrer un film d’animation en volume, en 3D. Parce que certains parmi les amis n’étaient pas encore totalement convaincus, à l’époque, que l’animation c’est non seulement du cinéma digne des adultes, mais qu’on produit de nos jours d’authentiques chefs d’œuvre, qu’on a la chance de vivre, depuis 1995, un véritable âge d’or du cinéma d’animation. Je me souviens encore de la tonalité condescendante de la critique de 'Toy Story 2' dans ‘Les cahiers du cinéma’. Le pauvre type coincé qui avait écrit le papier ne pouvait pas imaginer qu’un film cher et populaire, et divertissant, et comique et qui a eu un succès colossal, puisse avoir le moindre intérêt artistique. Il cumulait visiblement trop de handicap. 'Monster Inc.' a eu un succès encore plus important que Toy Story, dépassant les 200 millions de dollars de recettes aux USA. A l’époque (et encore aujourd’hui) seuls les gros blockbusters pour ados cons atteignaient normalement des scores aussi astronomiques.

Pourquoi j’aime en particulier l’animation en volume? Il y une explication très simple et très ‘Rosebud’ : mon jouet préféré quand j’étais petit, c’était ces espèces de jumelles en plastique rouge : on insérait des disques en cartons avec 14 petites diapos sur tout le pourtour. En faisant tourner le disque via une petite gâchette, on pouvait voir successivement 7 scènes en relief grâce à procédé stéréoscopique vieux comme la lanterne magique. J’avais Peter Pan, Les Aristochats, Le Livre de la Jungle, Robin des Bois etc. Ce jouet s’appelait ViewMaster, je l’ai toujours (photo) et c’est mon plus gros trésor (après ma collection d’Astérix évidemment). On n’avait pas la vidéo dans les années 70 ; et c’était ce qui se rapprochait le plus du cinéma à la maison. Non seulement c’était en relief (en fait : des marionnettes photographiées sous deux angles différents dans un décor) mais ce que j’adorais c’était qu’on pouvait faire varier la lumière et l’ambiance de chaque vue en dirigeant l’appareil vers une lampe (couleurs chaudes) ou une fenêtre (couleurs brillantes).

L’autre raison c’est que j’aime les marionnettes et que la 3D ce ne sont jamais que des spectacles de marionnettes. Monsters Inc comme tous les films du studio Pixar ce sont des images ‘de synthèse’ par ordinateur (Computer Generated Imaging CGI). En termes visuels et graphiques, je préfère les véritables marionnettes comme dans The Corpse Bride de Tim Burton ou dans les films du studio Aardman (Wallace et Gromit, Chicken Run) qui utilisent la technique de prise de vue image-par-image (stop motion) elle aussi vieille comme Méliès. Cependant les artistes de ‘rendering’ de chez Pixar arrivent à faire des choses merveilleuses sur la lumière, les reflets et les textures, et l’animation 3D par ordinateur n’a plus du tout le coté un peu lisse et sec des débuts. Dans Monsters Inc par exemple, le travail sur la fourrure soyeuse de Sully était prodigieux pour l’époque. Et comme, l’animation en prise de vue réelle est de plus en plus retouchée par ordinateur, on ne verra bientôt plus la différence entre les deux techniques qui vont s’interpénétrer au gré des choix artistiques.

Si j’aime en particulier les films Pixar, c’est pour la qualité de la narration, l’intelligence des scénarios, le brio des dialogues. D’autres studios d’animation comme Dreamworks rivalisent (presque) sur la qualité visuelle, mais restent loin derrière (à mon avis) sur la narration, la caractérisation, la tonalité, l’élégance de l’humour qui me rappelle la grande tradition des comédies américaines des années 50. Pour avoir rendu à l’animation ses lettres de noblesse après des décennies de domination infantile et de plus en plus médiocre de la part des studios Disney. Monster Inc est comme tous les grands films, une œuvre à multiples niveaux. C’est un merveilleux film pour les enfants mais il y a des tas de niveaux pour le seul plaisir les adultes : l’utilisation des plans et du découpage du cinéma ‘adulte’ américain, des thèmes du cinéma policier, du buddy movie, du thriller politique, du cinéma fantastique (la poursuite borgésienne dans la bibliothèque des portes). Les studios Disney en décadence s’étaient spécialisés dans l’adaptation de conte de fées du XIXème ou livres pour enfants à succès mais Pixar a depuis le début développé des histoires originales. Comme ‘Toy Story’ partait de l’idée traditionnelle des jouets vivants en la modernisant, ‘Monsters Inc’ part de l’idée merveilleusement simple qu’il y a EFFECTIVEMENT des monstres cachés sous les lits et dans les placards des chambres d’enfants et nous raconte l’histoire du point de vue des monstres (qui, merveilleuse inversion, considèrent que ce sont les enfants les monstres). Les monstres sont des gens comme vous et moi : le gros monstre à fourrure verte s’appelle James P. Sullivan (j’adore le P.), et son copain le cyclope sur patte se nomme Mike Wazowski. Comme tous les américains moyens, nos héros portent des noms polonais et irlandais.

Mais ce qui est le plus touchant pour un adulte (pour moi en tout cas) c’est le véritable sujet du film qui est l’apprivoisement d’un adulte par une enfant de deux ans. J’avais autour de 32 ans quand j’ai vu le film et comme Sully et Mike, les héros du film, trentenaires célibataires, je considérais les enfants de moins de six ans comme des monstres effrayants et incompréhensibles, des grenades dégoupillées. J’étais pile poil à l’âge où j’ai commencé moi aussi à trouver mignons les enfants des autres et à me dire ‘merde j’aimerais bien en avoir un comme ca à moi un jour’.

Les moments préférés :
• Le regard de Sully quand apres avoir couché Boo, il est surpris de s’attendrir sur le petit monstre qui vient de s’endormir dans son lit.
• Le désespoir et les évanouissements a’ la Tex Avery de Sully quand il croit voir Boo découpée en morceau dans un broyeur
• La scène du restaurant japonais ‘Harryhausen’s’ ou l’apparition de Boo sème la terreur. Clin d’œil de Pete Docter au maitre de l’animation Ray Harryhausen, pionnier de l’image par image dans les années 50 (Jason et les argonautes) qui a engendré plein de vocation dans la génération des Burton et Lasseter. Autre clin d’œil dans the Corpse Bride, le jeune héros joue sur un piano de la marque Harryhausen.
• Le bonus post-générique. Pixar a inventé et filé la tradition du bêtisier pastiche pendant les crédits ; cette fois c’est encore plus drôle avec les clins d’œil aux autres personnages Pixar et surtout la comédie musicale d’entreprise, mise en scene par Mike, qui nous reraconte toute l’histoire en trente secondes, merveilleuse mise en abyme par le crooner de Mike.
• J’allais oublier le générique du début : merveilleuse idée de faire précéder un film en 3D par une séquence purement 2D, dans un style graphique en à-plat de couleurs simples rappelant un peu Les 101 Dalmatiens, sur le thème des portes. Avec une super musique de jazz. Un régal.

La musique justement. Comme tous les premiers films de Pixar, elle est signée Randy Newman, et elle est super. Pour le thème principal ‘I wouldn’t have nothing if I didn’t have you’, Newman a obtenu son premier Oscar de la meilleur chanson apres moultes nominations (le film était nominé aux Oscars 2002 mais c’est Shrek qui a gagné…).

Les courts métrages, autre magnifique tradition Pixar. ‘Monsters Inc’ est accompagné, comme tous les autres longs de Pixar par un petit bijou. Cette fois c’est ‘About the Birds’ avec une musique de jazz à la Reinhardt.

Le casting enfin, la cerise sur le gâteau : John Goodman, un régulier des frère Coen (Sully), Billy Crystal (Mike) et Steve Buscemi dans le rôle du méchant.

Flushed Away (Aardman Animation)

Le rat est tendance cette année. En attendant Ratatouille de Pixar en 2007, le dernier Aardman, réalisé par David Bowers and Sam Fell, est une histoire de rongeurs. Il devait s’appeler Ratropolis mais on a changé le titre qui ressemblait trop à Ratatouille. Roddy the rodent, un pet-rat de Kensington habitué au luxe, se retrouve exilé parmi ses semblables, dans les égouts de Londres ; pire : dans les égouts de l’East End. Double exil donc, puisqu’il doit réapprendre à vivre parmi des rats et parmi des rongeurs prolétaires d’East-London.

Aardman goes CGI

Malgré des plans complexes et acrobatiques, j’ai vraiment cru qu’il s’agissait encore de la technique maison Aardman (plasticine et stop motion). Wallace et Gromit réussissait en effet des scènes de poursuite aérienne en stop motion pour l'essentiel et le CGI n’était vraiment utilisé que pour quelques effets comme les lapins en apesanteur. Le look and feel de ce film est en tout point conforme à celui de Chicken Run et W&G mais il a été réalisé entièrement en images de synthèses (Computer Generated Images CGI) et le résultat est époustouflant. On jurerait voir les marionettes en plasticine, mais c’est parce que les personnages ont été créés en plasticine avant d’être scannés 3D pour l’animation. Officiellement c’est le grand nombre de scènes aquatiques dans les égouts qui a déterminé le choix du CGI au lieu du stop motion. Le compositing pour associer des prises de vue stop motion et l’eau CGI aurait été trop coûteux.

Une comédie londonienne

Troisième film de l’association Aardman Dreamworks, Flushed Away sera aussi le dernier. Après le succès planétaire de Chicken Run, Dreamworks a en effet été déçu par les recettes nord-américaines de Wallace et Gromit - Curse of the were-rabbit. On dit aussi que les gens d'Aardman, quant à eux, en ont assez des interventions de Dreamworks dans les scénarios. Ainsi la première version du script racontait une histoire de rats pirates, mais les experts marketing de Dreamworks décrétèrent qu’il n’y avait aucun marché pour les histoires de pirates (c’était avant le triomphe de Pirates of the Caraibes) et il fallut tout réécrire (il est tout de même resté le bateau de Rita et les poursuites dans les canaux). Il est possible enfin que Dreamworks se soit lassé du caractère irréductiblement British des gars d’Aardman, de leurs références et de leur humour. Chicken Run nous parlaient de l’Angleterre rurale (un coq américain perdu chez les bouseux anglais) ; Wallace et Gromit se situait dans l’Angleterre provinciale (vicaires, charity, gentlemen farmers et concours de légumes) ; Flushed Away est une comédie explicitement londonienne sur le choc des classes entre les beaux quartiers chics et ennuyeux de l’Ouest, et l’East London gouailleur et populaire.

Le truc marrant c’est que je vis en ce moment à Kensington, j’ai vu le film au Odeon sur High Street Kensington, ce film qui mentionne High Street Kensington et fait allusion à l’envahissante communauté française (les grenouilles).

French bashing

Le grand méchant bondien du film est un crapaud qui vit en marge du monde des rats. Comme tous les méchants d’animation, Mr Toad (Ian McKellen) a une bonne raison pour être méchants. Il était le crapaud adoré du petit prince Charles jusqu’au jour où on offrit au prince un rongeur. Et Mr Toad tombé en disgrâce fut promptement flushed away dans les toilettes de Buckingham. Donc Mr Toad veut sa revanche et a un plan machiavélique pour noyer Ratropolis, en finir avec les rats et qu’advienne le règne des batraciens.

A moment donné, dégoûté par l’imbécillité de ses hommes de main rongeurs, Mr Toad fait appel à un privé (hitman) français ‘Le Frog’ (voix Jean Reno) et son équipe de grenouilles ninja. S'ensuivent une série de jokes anti-françaises dont deux en particulier on fait mourir de rire la salle:

Le Frog (to Mr Toad) : Sir, we are leaving immediately.
One of his men: But what about dinner?
Le Frog (after a while): Sir, we are leaving in five hours.

Le Frog (giving attack order): Messieurs, do the move!
His men (raising their hands): We surrender!
Le Frog (appalled): No! not that move!

Il est en effet notoire que les français sont couards, fainéands et obsédés par la bouffe.

J’ai aussi adoré le choeur grec des limaces chantantes (venues de Creature Comfort la série Aardman pour ITV) qui commente le marivaudage entre Roddy (Hugh Jackman) et Rita (Kate Winslet).

Alors le verdict ? Flushed away est ébouriffant, charmant, burlesque, hyper drôle. Plein de gags et de clins d’œil, d’une invention permanente. C'est quasiment du niveau Chicken Run, ce qui est beaucoup dire.

Nous verrons si Aardman continue les long métrages sans le financement de Dreamworks, mais s'ils devaient revenir aux moyens-métrages, je serais tout aussi content. Alors que Pixar, tout en maintenant son excellence artistique, fait de plus en plus de concessions a l'univers Disney, les petits gars de Bristol envoient chier Dreamworks pour rester ce qu'il ont toujours été: des artisans marionnettistes - et c'est pour ça que je les adore.

Cars, by John Lasseter

Pour bien nous punir du péché originel, Dieu nous donné la fièvre aphteuse et la Circle Line. Heureusement, il a aussi créé MM. John Lasseter et Nick Park, qui ont ensuite créé Pixar et Aardman.

Je viens de voir le septième long métrage Pixar (Cars) et le troisième Aardman (Flushed Away) (voir ma review) et le bonheur a été une nouvelle fois au rendez-vous.

They did it again

Pour la première fois je n’ai pas vu le nouveau Pixar à sa sortie l’été dernier. Parmi d’autres raisons, il y a que j’étais réticent sur le sujet. Déjà gamin je me désintéressais totalement des petites voitures et je suis resté un opposant fanatique à la mystique automobile. Je hais les vroum vroum de la course automobile, qui vous casse les oreilles. Et puis l’affiche faisais trop gnangnan Disney. Je suppose que je craignais mon héros John Lasseter ne tombe de son piédestal en nous livrant un film pas bien, un film vendu au merchandising Disney. Et puis après six merveilles de suite, Pixar ne pouvais pas être infaillible.

Donc j’ai vu Cars en DVD. Et ouf ! Fusion Disney ou pas - l’opus numéro 7 a d’ailleurs été commencé avant la fusion (voir mon papier là-dessus) – c’est bien un Pixar et c’est bien un Lasseter, même si, disons-le tout de suite, ce n’est pas pour moi l’un des meilleurs Pixar.

Mes Pixar préférés restent:

1 Monsters Inc (Pete Docter)
2 Toy Story 2 (John Lasseter)
3 The Incredibles (Brad Bird)
4 Toy Story (John Lasseter)
5 A Bug’s Life (John Lasseter)
6 Finding Nemo (Andrew Stanton)
7 Cars (John Lasseter)

Malgré le jeu vidéo et autres produits dérivés Disney, malgré une histoire un peu trop cute, l’excellente nouvelle reste que même un ‘mauvais’ Pixar, c’est toujours infiniment supérieur à ce qui se produit dans le monde, Aardman excepté.

Depuis la renaissance de l’animation initiée par Lasseter et Toy Story en 1995, pas mal de studios se sont lancé dans l’animation CGI 3D. Sur 10 longs métrages produits en 2006 aux USA, 9 utilisaient cette technique. Lorsqu’on voit des films moyens ou médiocres comme Madagascar (Dreamworks), Robots (Blue Sky), Shrek 2 ou Shark Tale (Dreamworks) on comprend que les dollars et les ordinateurs ne suffisent pas à faire un bon film et l’on voit l’écart considérable que possède toujours Pixar sur ses confrères animateurs.

Or donc c’est le quatrième film ‘réalisé’ par Lasseter personnellement (co-écrit et co-réalisé par Joe Ranft), après Toy Story 1 et 2, et Bug’s Life.

J’adore ce type. C’est un visionnaire et l’un des plus grands cinéastes d’animation de tous les temps et c’est un gars charmant, modeste, simple (comme Nick Park d’ailleurs) qui ne cesse de rappeler la nature fondamentalement collégiale de la création en matière d’animation. Dans le DVD il y a un bonus intéressant et émouvant où Lasseter raconte la génèse de Cars.

Main Street, America

John raconte que sa femme lui a demandé de lever le pied un jour, de laisser un peu Pixar pour s’occuper de ses quatre autres enfants, quatre garçons. Alors John a fait ce que faisait son père pour les vacances. Il a loué un camping car et toute la famille est partie sur les routes de l’Ouest. Le père de John adorait les voitures et les vacances des Lasseter c’était des centaines d’heures en voiture, les diners, les motels, les paysages grandioses. Tout le monde était heureux. John conçoit l’idée d’un film sur la Route 66, qui sera un hommage à l’Amérique de son enfance, l’Amérique des petites villes et des voitures de rêve des années 50-60. Et dont les personnages seront des voitures.

Alors John emmène une bande de collaborateurs sur la véritable route 66 pendant plusieurs semaines de repérages. Cette route mythique, qui va de Chicago à Los Angeles lézarde à travers les montagnes rocheuses, fut la première route trans-continentale goudronnée en Amérique. Les bikers et autres amoureux nostalgiques l’on surnommé la "Mother Road" ou "Main Street USA". A partir des années 80, le développement des inter-states à plusieurs voies a court-circuité de nombreux tronçons de la route 66 et transformé de nombreux de ses villages étapes en villes fantômes. Lasseter et son équipe ont ainsi visité plusieurs de ces petites villes figées dans le souvenir glorieux des années 60, où quelques vieux commerçants vivent toujours, des miettes de l’autoroute.

Lasseter avait trouvé son histoire : une ambitieuse petite voiture de course NASCAR – Lighting McQueen, voix Owen Wilson - se perd dans l’une de ces villes fantômes, Radiator Springs. Lighting McQueen va apprendre à lever le pied de l’accélérateur, au contact des ploucs du coin que ‘life is about the journey, not the finishing line’. Dans le village paumé s’est constitué une famille d’handicapés de la vie, de misfits brinqueballants, de tacots plus cotes à l’argus, de cast-aways qui ont échoué là à différentes époques. Aux propriétaires du motels et aux vendeurs de pneus s’ajoutent une ancienne voiture de course accidentée (une Cadillac de 53, voix de Paul Newman), un hippie (un fourgonnette wolkswagen), une yuppie néo-rurale enfuie de LA (une Porsche). Vous voyez mon soulagement : finalement c’est tout le contraire d’un film à la gloire de la vitesse et de la peinture métallisée, c’est un éloge de la lenteur, de la rouille, et des petites gens de l’Amérique profonde. On songe à Bagdad Café ou à une version idyllique de Dogville.

Si donc ce n’est pas l’un des meilleurs Pixar, c’est l’un des plus personnel et émouvants par sa charge nostalgique, sa philosophie hippie et l’hommage rendu à l’Amérique semi mythique des années 50.

Les prochains Pixar

2008 verra le retour de Lasseter avec Toy Story 3. Aie, aie, je suis content mais en même temps j’espère que ça ne sera pas le sequel de trop. Toy Story 3 c’est exactement ce que je redoutais avec la vente de Pixar à Disney. Le synopsis: Buzz Lightyear is recalled to a factory in Taiwan, and the rest of his toy pals go to rescue him.

Pour l’été 2007 est prévue la sortie de Ratatouille de Brad Bird, le réalisateur de The Incredibles. A young rat living within the walls of a famous Paris bistro wishes to become a chef, but is hindered by his family's skepticism and the rat-despising staff and patrons.

En parlant de rats, voyez donc mon papier sur Flushed Away (Souris-city), le nouveau Aardman.

animation - Pixar 20 years of animation (ENG)

You have some more time to go and see this exhibition at the London Science Museum (ends June 10).
It is not so much for kids but for adult fans - serious, expensive (£10), few dramatic exhibits. This is basically an educational exhibition that makes a simple point, for those who would still need to grasp it: Pixar is not about computers. Hundreds of exploratory sketches, sculptures, storyboards of characters, artworks are there to show that this is animation and storytelling. Pixar is creating stories first, then characters. Then virtual 3D puppets are created for each character and animators spend months manipulating each of them with computer programmes that play the exact same role as strings for physical puppets.
The term CGI (Computer Generated Imaging) led to misunderstandings for long. The computer is NOT generating the images of course. It must be seen as the equivalent to puppet strings or, with regard to the traditional 2D, animation computer software are only replacing the labour-intensive animation phase (shooting celluloid artwork) and gives the animators fantastic new options.

One great funny thing though: for this exhibition, Pixar have re-created a modern-day version of the XIXth century zoetrope or 'Magic Lantern' based on retinal persistence. This is beautiful and funny and epitomizes their vision: technology comes second, entertainment first.

animation - about the Pixar/Disney merger (ENG)

Managerial ‘Chinese Wall’ and multi-brand strategy are needed for the merger to be a win-win move.

1. Disney has ceased to be a creative company, and cannot become one again. Yet it needs to secure provision of high profile content for its distribution and marketing core activities.
2. This is why the Pixar-Disney distribution deal was originally a good one for both.
3. Today Disney needs Pixar's content much more than Pixar needs Disney’s marketing skills and networks.
4. The merger can yet be successful, if a ‘Chinese Wall’ ensures Disney’s marketing does not interfere with Pixar creativity, and if brands are intelligently managed.

Disney has ceased to be a creative company. Over the last 40 years it has been milking its classic film library and brand asset. Instead, Disney has become a fantastic marketing/merchandising company. The Disney brand is synonym with family entertainment. Disney is today the number seven global brand in the Interbrand ranking, right between Nokia and McDonald's. Disney finally acknowledges it simply cannot become a creative company again. Maybe one cannot successfully retain a top creative and a top marketing culture within the same film company and it takes good management to understand it and draw consequences (after all, all other majors have understood that for decades). The somehow cynic marketing approach, and the pre-eminence of marketing on creation kept the best creators away from Disney. Many great artists and producers once worked for Disney, but young Burton as well as senior Katzenberg left Disney to become immensely successful outside the empire.

Disney could accept to have no more in-house creation but it needs to secure provision of high profile content for its distribution and marketing activities. This is why the Pixar-Disney distribution deal was a good for both ; it also accelerated the global advent of Pixar.

Today Disney needs Pixar content much more than Pixar needs Disney’s marketing skills. The failure of the re-negotiation of the distribution deal two years ago showed that Pixar management is aware of this - and, at the time, Disney was not. The conditions of the merger reflect that balance of power and need. Having produced six global blockbusters in a row, mainly because of the intrinsic qualities of its films, Pixar could probably thrive in theatres with any other distributor in the future. Yet Disney remains the most efficient in extracting long term marketing value out of movie characters.

Pixar might be too beautiful a gem for the rusted crown of a declining Disney King. Yet today’s marriage can be successful for both companies if two conditions are met.

First of all a ‘Chinese Wall’ must be erected to prevent Disney marketing from interfering in Pixar creative process. Lasseter and Jobs will have high positions in the new Disney/Pixar company and headquarters and teams will not merge physically. One can imagine Lasseter and Jobs will make sure to protect the integrity, independence and morale of Pixar’s creative teams – which are at the core of Pixar’s chemistry and asset value. But a classic mistake to make would be to try to industrialize the making so as to increase the output of Pixar films. Pixar has been able to maintain high standards with two productions undertaken at any time, and one feature film out every 18 months. Trying to increase and accelerate the output could kill the magic. It would also be a bad idea to ask them to develop the in-house Disney production. Alas, once you have responsibilities and stocks, you may want to dedicate your time and skill to the whole organisation.

Second, the Pixar brand must be kept, developed, and maybe ultimately replace Disney as the leading brand. High-quality Pixar productions should remain branded ‘Pixar’ while the ‘Disney’ brand should continue to brand classic movies, low-cost sequels and related products. In the classic theory of brand portfolio, it is supposed to be a good idea to have declining giants and rising stars in the same hand, provided there is no contamination between them. A big part of the asset value of Disney lies in its brand, the only major consumer brand that ever arose in the movie business. Similarly the Disney/Pixar company should try to transform the fantastic edge Pixar has over all competitors today into a lasting, valuable consumer brand. Something like a 21st century’s 'Disney' label.

The Beauty and the Beast

On a more personal note, I have to say I am a bit afraid that the merger could kill the Pixar miracle because I am also a huge fan of Pixar and big Disney hater. Disney, by the way, is like Ivan Lendl, Microsoft or PSG: it is the Villain everybody loves to hate. The six feature films produced so far have been constantly at the top on all artistic standards (story, animation, rendering, light, music), receiving both critic and public triumph, and everywhere in the world, which is extremely rare. The consistent style and quality of all films, some directed by John Lasseter, some only produced by him, is the result of long-term dream team creative work, and managerial achievement by Lasseter and Jobs. While Disney have been making increasingly bad products for the last 30 years, Pixar has made works of art. After decades of increasingly bad animation from monopolist Disney, Pixar proved animation is not only a thing for stupid kids but for intelligent adults. As they say in the PR, ‘for the child in everyone’. And of course this is a very moral story because - it is not always the case in show business - the good product have proved fantastically successful while Disney's B movies have been doing badly.